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Il percorso formativo è condotto da eccellenze che hanno dedicato e dedicano a tempo pieno la loro ricerca in favore della formazione di attori capaci di confrontarsi con le scuole internazionali mettendo in campo i metodi più innovativi, frutto di un costante e appassionato studio: Lucilla Lupaioli, Valeria Benedetti Michelangeli, Alessandro Di Marco, Alberto Bellandi, Emira Dervinyte. Oltre a questo gruppo di insegnanti curriculari, il centro ospita e ha ospitato Workshop tenuti da professionisti della Danza come Paola Sorressa e Susanna Odevaine, del Canto come Evelina Meghnagi e Antonella Voce, e del Casting come Lilia Trapani e Barbara Giordani, oltre a docenti di Recitazione e registi come Pierpaolo Palladino e Giuseppe Marini. Da anni l’Accademia ha inserito con successo Acting Yoga, sotto la guida di Giovanna Muschietti e, da quest’anno, sarà materia curricolare anche Danza Contemporanea, con lezioni tenute da Davide Romeo.

Metodologia e poetica

Il nostro lavoro è il frutto di una ricerca e di un costante studio, che hanno creato nel tempo una conoscenza approfondita e aperta delle diverse discipline e pratiche teatrali. Tutti gli insegnanti portano il loro contributo professionale e personale confrontandosi sempre su una comune piattaforma che ha come fulcro l’attore, la conquista quotidiana degli strumenti del mestiere e del sé, la sua capacità di aprirsi, centrarsi e seguire una disciplina che possa alimentare il talento attraverso una pratica psico fisica ed emotiva costante e appassionata.

Pur partendo dagli insegnamenti di Stanislavskij come motore di riferimento e come origine, la formazione attoriale è orientata verso differenti forme di approccio all’arte dell’acting che sono il risultato quotidiano di uno studio sempre in evoluzione e sempre aperto al confronto e al cambiamento. I docenti rispondono alle molteplici esperienze formative acquisite ed elaborate e sono centrati sull’attore come presenza totale, multidimensionale e fisica.

Il lavoro dell’attore si fonda sull’azione, sulle domande e sulle scelte. L’attore è qualcuno che deve ascoltare, essere presente e rispondere alla realtà che sta creando, e che, insieme al partner, lascia accadere quello che la scena propone. Gli esercizi scenici, prima di approdare al testo, servono a conoscere quei codici che consentono all’attore di agire e di dare vita all’azione dinamica e conflittuale che sta alla base di ogni dramma e di ogni commedia. L’analisi del testo individua fondamentalmente cosa accade, cerca le coordinate dell’azione e gli obiettivi, e crea la struttura di base sulla quale l’attore potrà creare e dare sostanza alla realtà della scena. Il corpo dell’attore deve essere un corpo rilassato ma vigile, aperto e dinamico, capace di accogliere le sollecitazioni della scena e del partner, e capace di restituire alla scena ciò di cui c’è bisogno per rendere vivo lo svolgersi degli eventi. Il lavoro dell’attore non può prescindere dal necessario e importante incontro con se stesso; negarlo è controproducente e fallimentare. I momenti di inevitabile crisi, di disorientamento e confusione dell’attore, se accolti e guidati senza timore e con competenza, sono tappe necessarie e fruttuose alla crescita di ogni artista. L’attore deve potere e volere cogliere la possibilità di riconoscere le dinamiche che si scatenano in relazione al mondo e agli altri, e di esplorare le difficoltà e le qualità di cui dispone. Questo non ha niente a che vedere con il trasformare il lavoro dell’attore in una sorta di sommaria terapia psicologica, come si può essere portati a credere, ma ha a che vedere con l’essere umano nella sua interezza, con la capacità e la volontà che servono ad un attore di farsi specchio e messaggero dell’intera Umanità.

Corsi

Workshops